趙綺鈴 (Chiu Yee Ling),

透過攝影創造及發掘想像世界,熱愛媒體藝術香港城市大學創意媒體學院 (SCM) 畢業,及後於香港嶺南大學文化研究系完成其碩士課程,曾先後於本地藝術團體從事藝術市場推廣工作,現為自由工作者。

科藝結合,指向的可以是觀眾拓展

綺鈴先在香港城市大學創意媒體學院 (SCM) 修讀其學士學位,選修Critical Intermedia Laboratory (CIL),讓她了解到電腦編程為互動藝術裝置帶來的可塑性,為現代藝術打開一度大門。推廣藝術時,觀眾經常處於被動狀態,但編程以至互動設計可以逆向操作,如果將之糅合不同的藝術開發更多的觀眾參與可能性。

及後於香港嶺南大學進修,她透過文化研究學科進一步理解文化與人文社會的關係,並決意要從事藝術行政工作以推動文化創意產業。畢業後,她參與藝術策劃及推廣相關的工作,擁有創意媒體背景的她,能有效地從藝術及科技的角度,思考節目推廣及觀察拓展的可能。比如說可能會用展版形式推廣節目,透過照片與文字令觀眾理解他們的藝術方針以及未來的項目策劃,但她把互動設計加入傳統展覽之內,讓觀眾對內容產生更深興趣;於2018/2019及2019/2020樂季,她為香港管弦樂團在香港文化中心就著發佈未來一年的樂季節目,就正正運用了互動設計,讓觀眾可以隨意選擇聆聽他們揀選的音樂,透過聆聽加深對樂團以及其未來演出項目的理解,這是一個科技與藝術推廣結合的小型實驗。

香港管弦樂團2019/2020樂季展覽照片紀錄 (由受訪者提供)

由音樂出發,延展嶄新的視覺盛宴

她熟知媒體發展,她相信科技結合傳統藝術形式可以開創更多的可能。視覺藝術及音樂本質之間從來都有一道峽縫,一個要用眼晴欣賞,一個要用耳朵細聽,媒體藝術可以填補這個空間,創造出看得見的音樂。於藝術推廣範疇中,巧妙地結合科技與藝術的其中一個例子為,London Symphony Orchestra 的rebranding計劃中,設計公司 The Partners 以音樂總監 Sir Simon Rattle指揮的動作為起點,設計了一系列的視覺語言。除了特設字體外,藝術家Tobias Gremmler更以Motion Tracking的方法追蹤 LSO 音樂總監 Sir Simon Rattle 指揮不同作品時的動作,透過電腦編程創造出一系列的藝術圖案及短片,把聲音形象化(visualization),呈現每首樂章的靈魂,讓樂迷透過顏色、質感和動態重新感受音樂的情感力量。

London Symphony Orchestra - Visualizing Motion and Music

除了大家想像的「新科技」外,簡單如一個微型相機亦可以改寫視覺經驗。例如柏林愛樂 (Berliner Philharmoniker) 多年前與Bjoern Ewers 及Mierswa-Kluska Studios合作的一個項目,Closer to classic/Instruments from the inside – Berliner Philharmoniker series,把微型鏡頭置於樂器之內,用簡單科技以建築的角度呈現樂器的內部結構,把觀眾的視覺從舞台宏觀角度延伸至微觀經驗,不失是個有趣示範。

把科技結合表演藝術亦可以改變藝術創作及表演模式,改寫表演藝術的遊戲規則。例如日本企業Yamaha 開發的AI 程式,讓舞蹈家森山開次 (Kaiji Moriyama)「以身驅演奏鋼琴」,與柏林愛樂 Scharoun Ensemble表演一場dance/ motion x music 的音樂會。舞蹈家的背部和手腳裝了感應器,實時把他的舞蹈動作,透過特設的程式,轉換成相關的樂曲數據,這甚至可以表現出彈奏琴鍵力度的差別。頂級舞者能夠細緻控制身體每寸肌肉,也許更能夠演繹出細膩的樂章,是次計劃奠定了全新的音樂演奏模式。作品亦巧妙地透過新科技演奏傳統樂器,作曲和編舞兩者又同時容許變化的可能性,而作品出來的效果仍然保持傳統鋼琴演奏的質感,這個「新舊」對比讓不同背景的觀眾都可以樂在其中。把數據轉化成音樂的例子多不勝數,如人體動作、腦電波等,但如何有效、具意義地使用科技,由概念到實踐的設計也是成敗的關鍵。

Yamaha Artificial Intelligence (AI) Transforms a Dancer into a Pianist - Full version

媒合其實就是跨界的合作大道

除了科技外,跨界合作項目亦是一個重要的課題,與不同媒介的藝術家合作,併發更多火花。例如New York City Ballet (NYCB) 的年度項目Art Series (https://www.nycballet.com/season-and-tickets/nycb-art-series/) –, 自2013年至今,每年與不同媒介的藝術家合作,包括攝影、繪畫、玻璃雕塑等,以不同形式呈現舞蹈演出以外的藝術層面。例如NYCB曾邀請著名街頭藝術攝影師JR合作,創作一件大型的藝術裝置。JR攝下舞者與紙張之間的互動,然後在地板上用舞者真人大小比例的照片鋪成一幅仿如巨大眼睛的圖畫,在劇院的前窗上也同時展示一張大型貼畫,呈現結合攝影、舞蹈與紙張的張力與美學;。藝術家Santtu Mustonen則以大型繪畫錄像裝置呈現憂慮、扭曲、超現實的感覺,尤如以圖像編舞一樣;另外,藝術家Lauren Redniss訪問及繪畫NYCB幕後成員的頭像,並製作成巨形畫像以表揚各幕後功臣的貢獻;藝術家Shantell Martin就以粗黑的線條在地板,甚至舞者身上繪畫,簡單利落製作出風格獨特的「佈景」及「戲服」,並帶出自我反思的主題「你是誰?」; 藝術家Jihan Zencirli以氣球創作見稱,她把 Lincoln Center 的David H. Koch Theatre大堂注滿數千個大小不一、色彩斑斕的氣球,非常超現實及震撼。透過跨界合作讓更多喜歡文化藝術的人可以透過探索不同的媒介去感受芭蕾舞的可能性。除了裝置藝術外,NYCB的 Art Series亦同時呈獻芭蕾舞演出,每年的跨界實驗創造更多不同藝術層次的驚喜,吸納更多來自不同藝術媒介的觀眾。

NYCB Art Series: https://www.nycballet.com/season-and-tickets/nycb-art-series/

疫情期間,許多藝術團體嘗試以直播或轉播模式演出,甚至發展出以網絡界面或影片為本的藝術作品,把原本的局限轉化為創意的起點。例如香港藝術節引入的比利時劇團 Ontroerend Goed 網上一對一劇場《TM》,也是善用疫情期間的制肘,創造全新的劇場模式。而香港亦出現很多善用鏡頭運用、場面調度及電影語言的音樂和舞蹈短片。

疫情給予我們一個發展全新演出形式的契機。在後疫情世代,市民和觀眾也許建立了新的習慣和期望。與此同時,大家可以認真思考科技與藝術結合,或任何可能的跨界合作項目的長遠發展,也許會有意想不到的效果。而重點在於,如何結合各藝術之間取得平衡,把藝術層次昇華。跨界合作項目在香港推動藝術科技相關的政策輔助之下,現在正是資源配合的好時機。當然不是每一個藝術團體都以實驗性節目為創作重心,但也許實驗精神正正就是創作的起點。不論是以side project形式進行,或長期研發跨界合作項目的可能性,以之作為試點,也許有機會為香港藝術帶來一點衝擊。

編者後記

一步一步為的是開拓與探索, 這不正是媒合的探究精神嗎? 終極想法是想要透過媒合去實驗更多的藝術形式以及合作的可能性,從而製造、改變與推動。回想起六十至七十年代興起的激流派( Fluxus) 精神,提倡交叉合作 (Cross-over)的主張,於是有了E.A.T (Experiments in Art & Technology) 的成立,也有了隨後的實驗演出項目 《9 Evenings》,透過工程師與劇場創作者在非傳統演出空間的嘗試,激起了新的展演火花,也影響了世界各地的創作人。科技的介入可以改變本來的傳統形式,可能有正負影響,然而必須透過不同的實驗與探索才有可能運用科技做突破,這些原型 (Prototype)也會有成有敗,但最終的微成效可以催化更多元的表演,讓藝術形式更廣更進步。她期待這個切入點能成為打破故有限制的新角度,也思考如果在傳統藝團上是否可以成立創意媒合部門或角色,以創新的思維去注入新的動力。當我們現正身處於世代轉型中,在Web 3.0與元宇宙近在咫尺之際,應該是時候可以做點突破。

Experiments in Art and Technology (E.A.T): Nine Evenings

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內容編訪於2022年完成